Dibujos, grabados, collages y bocetos ofrecen una visión
íntima de lo que despertó la imaginación del artista.
Pablo Picasso, Mujeres en su tocador, París, invierno
1937-38 Collage de papeles pintados recortados con gouache sobre papel pegado
sobre lienzo de Picasso y Paper Royal Academy of Art (Imagen: Musée national
Picasso-Paris / Adrien Didierjean)
Picasso en papel, Royal Academy, Londres
Papel: ¿alto concepto? Bueno, sí. Para Picasso y Paper en la
Royal Academy no es un simple espectáculo de dibujo. Se acerca al papel desde
todos los ángulos posibles: dibujo, impresión, collage, fotografías, recortes,
garabatos, letras, incluso el sistema de archivo de Picasso; favoreció los
clips de bulldog suspendidos del techo.
El periódico en sí abarca desde costosos japoneses hechos a
mano hasta periódicos y servilletas. Francamente, es una misericordia que no
hubiera pañales desechables en la década de 1880: la tentación de mostrar
algunas "marcas" tempranas puede haber resultado abrumadora.
Al igual que con la exposición de Tate Modern 2018, Picasso
1932 - Love Fame Tragedy, los curadores de Picasso y Paper se permiten
apartarse de su premisa al servicio de un contexto más amplio. Aquí se muestran
pinturas significativas, en particular La Vie (1903) y Le Déjeuner sur l'herbe,
después de Manet (1960) y esculturas que incluyen Cabeza de una mujer
(Fernande) (1909) y El hombre con una oveja (1943) junto a dibujos y pequeños
trabajos
realizados en preparación.
Volviendo a los primeros garabatos de cuaderno, estos bocetos y estudios preliminares nos muestran al artista en el trabajo, probando ideas de composición y forma, refinando y adaptándose a medida que avanzaba. Con cada una de las transformaciones notables que dominó en las décadas anteriores a la Segunda Guerra Mundial, podemos observarlo trabajando
intensamente, construyendo las herramientas necesarias para cumplir una idea y luego desplegándolas con el máximo efecto.
Dibujo de Pablo Picasso en Antibes, verano de 1946 de
Picasso y Paper, Real Academia de Arte (Foto: Michel Sima / Bridgeman)
Su interés no siempre es técnico: lo espiritual también está
aquí. En su Período Azul, lo encontramos buscando la expresión del cuerpo de
tristeza y hambre. En el notable dibujo a tinta Bust of a Woman (1903), la
espalda demacrada de la modelo, el cuello alargado, las mejillas y los ojos
huecos están impregnados de gracia y sensualidad, sus labios se separaron con
atención y el cabello grueso se enroscó alrededor de su cabeza.
En The Frugal Meal (1904), un hombre y una mujer se sientan
sobre una tela arrugada, sin comida, pero sin un pequeño trozo de pan duro. La
angularidad elocuente se ve acentuada por largos dedos esqueléticos que se
extienden sobre extremidades etioladas como el toque de muerte incipiente.
Los estudios de Picasso sobre el horror de la
asfixia aparecen por primera vez en los meses previos al estallido de la Guerra
Civil española. En sus fotos de Minotauro de 1935 y 1936, estudia el peso
muerto de un cuerpo, sus extremidades retorcidas y colapsadas, y el tormento de
un caballo moribundo, su cuerpo se desploma como una marioneta. Después del
bombardeo de Guernica,
estas articulaciones extremas de la cara y el cuerpo se
vuelven elocuentes como pena y dolor. Muchos años pasados probando los
límites del cuerpo expresivo informan así la composición final de Guernica
(1937).
Seis años después, después de haber pasado gran parte de la
guerra confinado en su departamento en París con poco acceso a materiales de
arte, sus estudios para la estatua El hombre con una oveja (1943) muestran una
transferencia de emoción e intención entre las dos figuras. En los primeros estudios
de la tinta, el hombre es como Cristo: barbudo, decidido, fibroso; las ovejas
bailan y se retuercen a su alcance. Más tarde se lo imagina como un joven
pastor, bien afeitado, con la cara abierta y honesta, las ovejas tranquilas y
confiadas. En la escultura final aparece una figura estólida y sin
complicaciones. Es el cordero de sacrificio que encarna al yo aterrorizado: un
bulto considerable e infantil ahora, aullando mientras se ofrece para el
sacrificio.
Pablo Picasso, Mujer sentada (Dora), 1938 Tinta, gouache y
tizas de colores sobre papel de Picasso and Paper, Royal Academy of Art
(Imagen: Fondation Beyeler, Riehen / Basel, Colección Beyeler Foto: Peter
Schibli)
¿Y qué hay del amor? ¿Afecto? La ternura de su Período Azul
se debe en parte a la angustia que siguió al suicidio de su amigo Carles
Casagemas, quien aparece como la figura central que levanta un dedo redentor en
la gran pintura empapada de dolor de La Vie . Esa ternura se manifiesta como
una emoción suave en la cariñosa acuarela Mujer con un mechón de pelo (1903).
A medida que pasa el tiempo, los amantes de Picasso
adquieren el estado de avisos o accesorios, cuerpos con los que puede explorar
infinitamente nuevas formas de ver e imaginar. Fernande Olivier, su amante
desde 1905 hasta 1912, aparece como una desnuda fresca y rosada en una acuarela
de 1906. En Les Desmoiselles d'Avignon, al año siguiente, se incluye en la
composición de formas elípticas planas y en forma de máscara. caras. Aquí, y en
sus estudios para Head of a Woman (Fernande) (1909), ella es un objeto familiar
para ser aprehendido de nuevo.
En esta preparación para el cubismo, Picasso está tan
interesado en analizar y probar su propia capacidad para ver que un nuevo tema
hubiera sido una distracción: observa y dibuja a Fernande como si fuera una
guitarra, una jarra o un violín. En los dibujos y estampas de Minotauro de la
década de 1930, Picasso se presenta como una figura monstruosa, mitad bestia,
mitad hombre, agazapado, lleno de potencial bruto, sobre los cuerpos de las mujeres
dormidas. Al principio de esta serie, la mujer es Marie-Thérèse Walter. Más
tarde, fue la fotógrafa Dora Maar, actualmente objeto de una exposición en Tate
Modern .
Otros retratos de Maar capturan su llanto, en pedazos, el
flujo de sus lágrimas afiladas y largas como clavos de crucifixión. Describimos
a una persona aferrada a sus emociones con la misma palabra que usamos para
describir el equilibrio y la disposición de una pintura: compuesta. Los
estudios de Picasso sobre Maar la muestran, en cambio, desmoronándose, incluso
una imagen vislumbre difícil de comprender. Al igual que con las imágenes de
Minotauro, sugieren al artista como una fuente de dolor, una fuerza
destructiva.
Pablo Picasso, Mujer con mechón de pelo, Barcelona, 1903
Acuarela sobre papel, de Picasso y Papel, Real Academia de Arte (Imagen: Museu
Picasso, Barcelona, cedida por el Ayuntamiento de Barcelona, 1963. Foto:
Gasull Fotografia)
En el momento del romance de Picasso con Jacqueline Roque,
que se sonrojó por primera vez cuando ella tenía 26 años y él 72, en lugar de
disgusto, parece gloriarse en la monstruosa disparidad entre él y su amante. Él
la dibuja, virginal, pura, nupcial, como ella misma. Su cuerpo desnudo se
despliega más tarde en su trabajo como una especie de objeto de lujuria
universal.
'Picasso cuestiona y empuja y transforma la idea de lo que
puede ser la imagen artística o el objeto artístico, luego se aburre y continúa
de nuevo'
Picasso murió en 1973. En las décadas anteriores, desde su
matrimonio con Roque en adelante, nos tratan Pablo: los viejos años sucios.
Quedó fascinado por Les Femmes d'Alger de Delacroix y Le Déjeuner sur l'herbe
de Manet, ambas pinturas haciendo uso atrevido de la forma femenina y la
sugerencia de disponibilidad sexual. Las muchas variaciones de Picasso en el
Delacroix incluyen una innovación significativa: el posicionamiento de una
mujer desnuda, con las piernas levantadas y retorcidas para exponer sus órganos
sexuales por completo a la mirada del artista. ¿Esta observación está relacionada
con nuestra apreciación del aplanamiento radical y la forma y color reducidos
de las versiones reinventadas de Picasso de las pinturas de Delacroix y Manet?
Talvez no. Pero la abundancia de bocetos y estudios grabados que hizo mientras
componía la pintura muestran que el posicionamiento de este modelo era
importante para él: lo dibuja una y otra vez.
Además de admirar sus cambios rápidos de estilo, su interés
menguante en el volumen, la forma, la emoción y su economía elocuente de línea,
estas miradas íntimas a lo que capturó la imaginación de Picasso día a día
ofrecen una visión alternativa de un artista que de otro modo podría parecer
intocable. .
Esta bien? En el mejor de los casos, es asombroso. Picasso
cuestiona y empuja y transforma la idea de lo que puede ser la imagen artística
o el objeto artístico, luego se aburre y sigue adelante, una y otra vez. En sus
cuadernos de bocetos vemos más ideas de las que podría explorar por completo.
Hay artistas cuya carrera entera se dedica a perseguir una idea escrita como si
fuera un pensamiento pasajero en uno de estos cuadernos. Sin embargo, uno
podría preguntarse si necesitamos otro gran espectáculo de Picasso en Londres
menos de 18 meses después del último cierre.
'Picasso y papel', Royal Academy, Londres, hasta el 13 de
abril
